Fiel al constructivismo de la vanguardia de 1950, Luis Caruncho poseía una pasión innata por la geometría provista de colorido, con variaciones interminables, en busca de un cuadro infinito. El infinito era, decía el gallego, uno de los grandes retos para el artista abstracto, algo que el ser humano está buscando constantemente.
Fue el primer director del Centro Cultural Conde Duque, puesto que desempeñó durante 11 años.
Autor: Luis Caruncho (A Coruña, 1929) Título: Cuadro infinito nº 4 Datación de la obra: 1989 Material: Óleo sobre tabla. Medidas: 150 x 150 cm. Localización: Colección particular
*** El sketch se regenera haciendo click con el mouse
Una de las piezas más conocidas de Aaron Marcus. La elegí por su sencillez de elementos. La pieza original que encontré es una imagen estática y decidí simplemente generarla secuencialmente para darle algo de animación.
En una reseña de exposición se menciona que originalmente se hizo en una máquina de fotocomposición, de ahí que use símbolos tipográficos.
Using standard typographical symbols, Marcus experimented with a photo-typesetting machine connected to a digital computer, reordering the symbols and their uses to create new meanings. The resulting works were meant to be seen as white symbols against dark fields, in which both the negative and positive space are significant. In these multicolored transformations of his original computer-generated forms, printed as lithographs and serigraphs, the artist makes connections between art, science, design, and visual poetry.
Graduado en Física en Princeton, en Diseño Gráfico en Yale. Aaron Marcus es uno de los pioneros del computer art y tiene una obra muy amplia y diversa. Aún se encuentra en activo en el mundo de la visualización de información.
A comienzos de los años 70 Aaron Marcus ya se pegaba con algunos de los primeros ordenadores gráficos intentando ver qué mas podían dar de asi . Esta pieza está diseñada para un LDS-1 (LineDrawingSystem-1)
En esta entrevista del SFTimes se cuenta que la pieza fue donada por Aaron Marcus al museo, pero sólo lo que se conserva de ella: Algunas capturas. En los últimos 40 años no se ha podido volver a ejecutar el código:
The LDS-1 is such a rare and complex piece of machinery, neither SFMOMA nor anyone else in the intervening 40 years were able to get these Cybernetic Landscapes running again. The needed equipment, the LDS-1 itself, was only ever produced in single-digit numbers, with the CIA being customer No. 1.
Era una especie de mundo virtual donde un paseante podía andar y encontrar distintos paisajes y objetos. A mí la captura me recordó a un videojuego de coches y dejé un bucle infinito de carretera y mensajes. En la web del SFMOMA hay más capturas de esta obra
Graduado en Física en Princeton, en Diseño Gráfico en Yale. Aaron Marcus se entregó a la programación de estos primeros ordenadores y tiene una obra muy amplia y diversa. Aún se encuentra en activo en el mundo de la visualización de información.
Recreación de la obra «Livro do Tempo» (1961-63) de la artista brasileña Lygia Pape. La obra original consiste en 365 bloques de madera, con una «gramática» de colores y formas muy característica que se ha recreado parcialmente en este sketch. Al hacer clic se genera una composición nueva.
Recreación bastante literal de la obra de Vera Molnar «(Dés)Ordres«
Vera Molnar tiene trabajos que giran alrededor de la repetición de formas matemáticas, de como se alejan de la «perfección» matemática mediante la introducción gradual del azar.
Este sketch es estático. Dejo pendiente hacerlo animado de forma que cada bloque de cuadros evolucione de configuraciones más simétricas o geométricas hacia otras menos regulares. Otro aspecto es introducir el color, tal y como ocurre en las series de Molnar.
La interacción tan solo consiste en regenerar la obra con un número diferente de bloques de cuadrados cuando se pulse sobre ella.
Se puede revisar y modificar el código en el editor de p5.js:
Recoding realizado por Dart (Javi F Gorostiza) del óleo del artista. En cada ejecución las figuras que salen en cada línea son aleatorias tanto en forma, tamaño como posición. Al hacer click con el ratón, cada figura se mueve en su línea a su propia velocidad, creando distintas configuraciones. Al volver a hacer click el movimiento se congela dando la posibilidad al espectador de elegir pararse ante una configuración de objetos y formas determinada.
Reinterpretación del cartel Beethoven para la Zurich Town Hall de Josef Müller-Brockmann realizada en p5js entre Silvia Teixeira, Carles Gutiérrez y Alex Muñoz.
Haz click para interactuar con los arcos y generar un nuevo diseño.
Müller-Brockmann es probablemente uno de los diseñadores gráficos más influyentes de la historia de la profesión. Padre del diseño gráfico Suizo y uno de los representantes del Estilo Tipográfico Internacional, su trabajo está influenciado por la Bauhaus y el constructivismo. Sus composiciones, basadas en retículas rígidas, y con la tipografía y la geometría como protagonistas, marcan el estilo característico de su obra.
Recreación y evolución del cuadro Double Tent de Paul Klee por Carles Gutiérrez. El cuadro original está hecho con técnica de Acuarela y lápiz sobre papel, cortado y recién combinado, enmarcado, sobre cartón.
Paul Klee es un artista reconocido por su estilo en el surrealismo, la abstracción y el impresionismo que lo catapultó a la fama. También fue profesor referente de la Bauhaus. Ha quedado registro de su diario, con un trabajo del color de gran belleza.
De este cuadro me llamó la atención la armonía de colores y la aparente simplicidad de las figuras usadas. Observé y traté de disfrutar de sus elementos más accesibles… las formas, espacios y el uso del color. Lejos de llegar a los matices más interesantes de esta pintura, éste recode que me ha dejado observar y disfrutar mucho más la obra de lo que lo habría hecho en un inicio.
Está programado con p5js, puedes consultar el código aquí, principalmente hay una malla de rectángulos coloreados siguiendo el trazo de una línea principal que recorre todo el ancho de la imagen definiendo según su altura la intensidad de brightness de estos.
A nivel de interacción: se pueden manipular los puntos de control de la línea haciendo drag&drop, pero mientras está animado, solo podrás moverlos en x. Con el la tecla de ENTER puedes activar/desactivar la animación. Con el espacio ocultar/descubrir la línea de control.
Los colores se generan semi-aleatoriamente con un perlin noise y siempre dentro de una gama de colores preestablecida inicialmente y sacada del cuadro original.
Recreación y evolución de la obra de Richard Paul Lohse, «Geometric Komposition»; por Alberto G. Ariza. Sketch generativo, realizado en p5.js y que cambia mediante el clic del usuario.
Lo que me interesó de esta obra de Lohse como punto de partida para mi experimentación fue el intentar comprender donde había encontrado él sus relaciones de armonías cromáticas. Y en como poder mantenerlas a la vez que intentaba variarlas y generarlas de manera automática.
Siempre me ha inspirado esta imagen de Giacometti, estudiando a Van Gogh. Copiar una obra ajena es la mejor manera de entenderla y de aprender de ella, porque cuando copiamos, dedicamos mucho m´ás esfuerzo a pensar sobre lo que vemos que en el mero acto contemplativo.
En el caso de la pieza de Lohse, no fue la primera que me atreví a reinterpretar. Hace ya tiempo que me propuse rehacer exclusivamente con CSS este otro cartel. Una excusa como otra cualquiera para buscar los límites del medio y traducirlo a otro lenguaje. Creo firmemente que el código es una herramienta de diseño tan válida como el software, y en el caso del CSS, es mucho más evidente, ya que su potencia declarativa lo hace en cierto sentido mucho más parecido a las opciones que nos encontramos en los programas de diseño. Palabras en lugar de botones, pero, quitando eso, cuál es la diferencia?.
El caso es que ya en la pieza que nos ocupa, lo primero que es evidente cuando vemos la obra es que tenemos por un lado un espectro cromático; y que dicha armonía se repite entre dos grupos de columnas. Y para ser capaz de generar variaciones de esta pieza, tendríamos que buscar un equilibrio entre la aleatoriedad y el decidir que elementos deben de mantenerse unidos. En el caso de que os interese, las distintas evoluciones las podeis ver aquí, aquí, aquí y aqui.
Al final, el resultado es gratificante, así como ver las distintas variaciones y los patrones que surgen de manera autónoma. Pero lo realmente enriquecedor es el viaje inmersivo en las entrañas de la pieza y el intentar comprenderla para poder rehacerla.
Versión realizada con p5.js de la obra «Work no.117» de Emma Kunz, realizada por Julián Pérez.
Mueve el ratón por el sketch para modificar diferentes parámetros 🐭
Emma Kunz (1892-1963) fue una sanadora y artista visual suiza incluida en la historia del arte póstumamente. Ella misma constató «Mi arte está destinado al siglo XXI».
Sus obras no fueron concebidas originalmente para ser colocadas en las paredes de un museo sino que complementaban su profesión de sanadora y tenían una función terapéutica para sus clientes.
Diagramas de Emma Kunz
Esta serie de diagramas con aspecto de mandalas geométricos eran realizados con lápices de grafito, lápices de colores o ceras, en papel cuadriculado de un metro cuadrado de tamaño. Esta artista visionaria comenzó esta serie en el año 1938 sin haber tenido previamente una educación formal artística.
Su trabajo de sanadora, o investigadora como ella misma se definía, la llevó a buscar en la campiña suiza materiales con propiedades curativas. A principios de los años 40, Kunz descubrió una piedra que, según ella, era única. La piedra, que encontró en una cantera en Würenlos, se llamaba AION A. Estaba convencida de su poder de curación y sentía que debía ser conocida por toda la humanidad. Hoy en día, la piedra es una medicina a base de hierbas aprobada y puede ser comprada en las farmacias de Suiza.
AION A. Polvo de roca curativa suizo
Me impresionó al igual que con el trabajo de Hilma af Klint, el nivel de abstracción visual para la época en la que se crearon estas piezas. Es una pena que no se les reconociera en vida el mérito que tuvieron estas auténticas pioneras. Escogí esta artista porque me interesaba la parte terapeútica de sus obras y ver con otra perspectiva el dibujo. En la pieza escogida, «Work no117», aparentemente parece que en toda la composición rige una simetría pero poco a poco te das cuenta de que cada sección tiene su pequeño sistema. Utiliza tanto la línea que en algunas partes llega casi a hacer efecto moire, y también el hecho de concentrarla genera puntos de fuga interesantes.
Work no117. Emma Kunz,
Para mi versión decidí animarla para que surgieran composiciones aleatorias pero sin perder la coherencia de color y forma del original. Por una lado el aumento de líneas está mapeado al ejeX del ratón y el tamaño del cuadrado que guarda los rombos amarillos está mapeado al ejeY del ratón. También aplico un mapeo a valores que me permiten obtener el area octogonal para que siempre esté en un movimiento orgánico.
